CLEVELAND, Ohio – Es ist oft einfacher, die Bilder eines großartigen Kunstwerks zu schätzen, als genau zu verstehen, wie es hergestellt wurde und wie sich die Verwendung eines bestimmten Materials durch einen Künstler auf den Entstehungsprozess auswirkte.

Es ist eine Bedeutungsebene, die das Cleveland Museum of Art in seiner wundersamen und verrückten neuen Ausstellung über aus Alabaster geschnitzte spätmittelalterliche Skulpturen zu erschließen versucht.

Bizarr ist, dass der Hauptfokus der Ausstellung, die bis zum 23. Juli kostenlos zu sehen ist, nicht auf kunsthistorischen Standardthemen wie religiöser Symbolik oder Stilentwicklung liegt. Diese Themen werden sicherlich diskutiert, aber das Hauptziel besteht darin zu zeigen, wie Bildhauer von 1300 bis 1700 in Deutschland, Frankreich, den Niederlanden und Spanien Alabaster wegen seines Potenzials schätzten, in den richtigen Händen die reichen Falten kunstvoller Vorhänge hervorzurufen. und der geschmeidige, durchscheinende Glanz menschlichen Fleisches.

Mit anderen Worten, Alabaster zeichnete sich durch die Übermittlung spiritueller Botschaften in Devotionalien aus, die für den zeitgenössischen christlichen Gottesdienst von zentraler Bedeutung waren und in denen der Körper ein zentrales Thema war.

Alabaster, der in Steinbrüchen in den Alpen in Nordspanien gefunden wird, ist weicher als Marmor und lässt sich leichter mit unglaublich feinen Details schnitzen. Es braucht auch eine Hochglanzpolitur, die es fast flüssig machen kann.

Aber die Vorzüge von Alabaster sind auch ein Handicap. Alabaster ist eine leichte, leicht geäderte Form von Gips und spröder als Marmor, der durch die Hitze und den Druck von Kalkstein entsteht. Große Alabasterblöcke brechen beim Schnitzen eher als Marmor.

Alabaster ist auch empfindlicher gegenüber Feuchtigkeit, was bedeutet, dass es für Denkmäler im Freien nicht geeignet wäre. Solche Qualitäten erklären, warum spätmittelalterliche Künstler Alabaster für kleine Skulpturen verwendeten, die für den Einsatz in Kapellen und anderen intimen Innenräumen bestimmt waren. Und das sind die Arten von Objekten, die in der Ausstellung präsentiert werden.

Jenseitige Macht

Die Focus Gallery des Museums zeigt 15 bescheidene Werke aus ganz Europa von 1300 bis Anfang 1500. Sie werden wunderschön in Vitrinen mit geringem Reflexionsvermögen unter hellem Licht vor tiefblauen Wänden ausgestellt und schaffen eine wundersame jenseitige Atmosphäre.

Im Mittelpunkt der Schau steht der um 1495 von dem deutschen Bildhauer Tilman Riemenschneider (1460-1531) geschaffene „Heilige Hieronymus und der Löwe“. Es ist eines der größten Meisterwerke des Cleveland Museum und eines von sieben Alabasterwerken, von denen bekannt ist, dass sie von Riemenschneider hergestellt wurden. Es ist seit Jahrzehnten in den mittelalterlichen Galerien des Museums ausgestellt. Jetzt hat es jedoch einen frischen und aufschlussreichen neuen Kontext.

Das Gleiche gilt für andere ausgestellte Werke, darunter die drei spektakulären „Trauernden“ des Cleveland Museum aus dem frühen 15. Jahrhundert aus dem Grab des Herzogs von Burgund Philipp des Kühnen.

Riemenschneiders „Pleureuses“ und „Jérôme“, die vom französischen Bildhauer Claus de Werve geschaffen wurden, werden von Leihgaben begleitet, darunter das Metropolitan Museum of Art in New York, das J. Paul Getty Museum in Los Angeles, das Museum of Fine Arts Boston, die National Gallery of Art in Washington, DC und der Louvre in Paris. Es ist eine beeindruckende Beute.

Zu den überzeugendsten Leihgaben gehört eine anonyme Pieta vom Ende des 15. Jahrhunderts, die von einem unbekannten Künstler in den Niederlanden oder im Oberrheintal geschnitzt wurde. Das Werk ist eine Leihgabe der National Gallery und knapp über 16 Zoll groß. Aber seine pyramidenförmige Komposition mit dem skandalös ausgemergelten Körper des toten Christus, der zu Füßen der Jungfrau Maria liegt, ist eine Meisterleistung monumentaler Präsenz.

Künste und Wissenschaften

Kuratiert vom Kurator für mittelalterliche Kunst des Museums, Gerhard Lutz, der dem Team im Jahr 2020 beigetreten ist, wird die Ausstellung von einem Katalog mit Essays begleitet, die die künstlerische Obsession mit Alabaster untersuchen. Ein Kapitel erklärt beispielsweise, wie Museen und Konservierungswissenschaftler heute versuchen, die Steinbrüche ausfindig zu machen, aus denen die Steine ​​stammen, die für bestimmte Kunstwerke verwendet werden. Es ist ebenso eine Diskussion über Geologie wie über Kunstgeschichte.

Aber die Botschaft der Show ist nicht streng wissenschaftlich. Es ist auch keine Feier rein technischer Fähigkeiten. Es geht darum, wie talentierte Künstler das volle Potenzial unglaublichen Materials genutzt haben, um kraftvolle Botschaften zu vermitteln.

Indem die Ausstellung beispielsweise den Cleveland Riemenschneider als Beispiel dafür zeigt, was ein Meisterschnitzer mit Alabaster machen kann, beseitigt die Ausstellung eingefahrene Sehgewohnheiten und passt das Auge an die feinen Details an, die einen scharfen Blick von einer Art belohnen, die nur darin ausgeführt werden kann Person. .

Die Skulptur illustriert die Legende des verehrten christlichen Gelehrten aus dem 4. Jahrhundert, der in der Kapuzenrobe eines Kardinals sitzt und einen Dorn aus der Tatze eines Löwen entfernt. Auf den ersten Blick wirkt das Werk seltsam archaisch, sieht der kleine Löwe doch eher wie ein stöhnender Hund aus als wie eine wilde Katze. „Wizard of Oz“-Fans könnten denken, dass das Gesicht der Kreatur einer Miniatur Burt Lahrs als Feiger Löwe aus dem Hollywood-Film von 1939 ähnelt.

Details, auf die es ankommt

Die Ausstellung lenkt jedoch die Aufmerksamkeit auf Details wie die zarte Skulptur von Krähenfüßen um die Augen des Heiligen Hieronymus und die Falten auf seiner Stirn. Jerome, ein Bibelübersetzer aus dem 4. Jahrhundert, Klosterführer und Einsiedler, soll einen Großteil seines Lebens in trockenen Umgebungen rund um das Mittelmeer verbracht haben, was bedeutet, dass Wellen ein Teil seiner Geschichte sind.

Andere Details sind noch atemberaubender, zum Beispiel die Art und Weise, wie die rechte Hand des Heiligen, die das Werkzeug hält, mit dem er den Dorn des Löwen entfernt, kühn den offenen Raum zwischen seiner Handfläche füllt und ihn wunderschön faltet, Darstellungen seines priesterlichen Gewandes, das seine Knie bedeckt.

Es klingt alles extrem schwierig zu schnitzen, aber Riemenschneider hat es, wie ein olympischer Turner, der seine Landung festhält, einfach und völlig natürlich gemacht. Die Zartheit seiner Skulptur entspricht ganz dem Bild eines Heiligen, der Mitleid mit einem leidenden Tier zeigt.

Die gleiche Verbindung von Material und Botschaft durchdringt den zweiten Riemenschneider der Show, „Die Jungfrau der Verkündigung“, eine Leihgabe aus dem Louvre und ebenfalls um 1495 entstanden. Beide stammen aus einem deutschen Kloster und wurden in Cleveland zum ersten Takt zusammengebracht die Show.

Der Engel, der einst die Louvre-Skulptur begleitete, ist verloren, aber Marie drückt Schock und Erstaunen über die Ankunft ihres göttlichen Besuchers aus, indem sie vor ihrem Schreibtisch kniet und ihren Körper leicht verdreht, während sie mit einem jenseitigen Blick nach oben blickt.

Riemenschneider betonte die Bedeutung einer heiligen Unterbrechung in Marias Tagesablauf, indem er zwei Finger ihrer linken Hand zeigte, die in verschiedene Seiten eines Buches, vermutlich eines biblischen Textes, gesteckt waren. Sie hält diese Orte und lauscht den heiligen Botschaften des Engels. Die filigrane Skulptur der Finger und des Buches, ermöglicht durch die besonderen Eigenschaften des Alabasters, unterstreicht die Aufmerksamkeit und Frömmigkeit Mariens.

Zusammen mit Körperbildern hat die Drapierung eine große Priorität in der Show. Der Ausstellungskatalog weist darauf hin, dass sich Riemenschneider stark an den deutschen Graveur und Graveur Martin Schongauer aus dem 15. Jahrhundert anlehnte, dessen weit verbreitete Drucke sakrale und weltliche Motive zeigten, die in zerzauste, kantige Vorhänge voller nervöser, dynamischer Energie gekleidet waren.

Beispiele von Schongauers Drucken, die in der Ausstellung zu sehen sind, veranschaulichen, wie Riemenschneider die zweidimensionalen Ausdrucksformen des Druckers – erreicht durch einen auf Metalldruckplatten eingravierten Spitzmeißel – in verschiedene dreidimensionale Formen übersetzte, wobei er die Eigenschaften von Alabaster ausnutzte.

Die Museumsausstellung führt die Besucher über 500 Jahre zurück in die Geschichte an einen Ort und eine Zeit weit entfernt von der Gegenwart. Aber es könnte heute nicht relevanter sein. In einem digitalen Zeitalter voller Bildschirme und virtueller Fernerfahrungen zeigt es, wie das Verständnis von Materialien zu entscheidenden Einblicken in die grundlegende Alchemie der Kunst führen kann – die Umwandlung von Materie in einen Ausdruck des Lebens.